Avell Desvio Rubro é uma instalação concebida como plataforma curatorial para discutir tecnologia, desejo e crise climática. Desenvolvido para a CASACOR Santa Catarina 2026, o ambiente que chegou a capa reúne arquitetura, arte, design e indústria dentro de um campo cromático integralmente vermelho.

A cor ocupa piso, paredes, teto, mobiliário e luz. Essa continuidade elimina referências domésticas imediatas e produz uma experiência de imersão. Superfícies reflexivas, elementos tecnológicos e volumes de forte presença alteram a percepção de profundidade e mantêm o corpo consciente de sua posição no espaço.

O projeto observa a tensão entre a promessa de uma vida otimizada pela tecnologia e os impactos materiais dessa aceleração. Equipamentos, telas e componentes digitais convivem com obras e peças de design brasileiro, formando um conjunto que aproxima inovação, produção, consumo e memória.

A curadoria reúne nomes como Irmãos Campana e Cris Bertolucci, além de outros autores brasileiros. As peças não aparecem como objetos isolados, pois participam da construção de cenas, relações e perguntas. A arquitetura funciona como estrutura editorial e determina aproximações entre trabalhos de origens e escalas diferentes.

A parceria com Avell e NVIDIA GeForce Brasil incorpora a tecnologia ao próprio processo de concepção e à experiência do visitante. Desvio Rubro propõe um interior intenso, crítico e sensorial, no qual futuro e emergência ambiental são apresentados como forças simultâneas.

FairyMay Campeche foi concebido como um interior comercial imersivo no Campeche, em Florianópolis. O projeto utiliza cor, luz, escala e repetição para construir uma atmosfera de fantasia com linguagem contemporânea, evitando referências literais e cenográficas.

A circulação funciona como sequência narrativa. Mudanças de geometria, enquadramentos e planos cromáticos conduzem o visitante e revelam diferentes situações de uso. Cada ambiente possui identidade própria, mas permanece ligado ao conjunto por uma paleta contínua e por elementos que reaparecem em novas proporções.

Superfícies curvas reduzem a rigidez dos limites e aproximam arquitetura, mobiliário e comunicação visual. A iluminação é incorporada aos volumes, destaca transições e cria pontos de intensidade sem depender de uma luz geral uniforme. Reflexos e transparências ampliam a percepção do espaço e produzem novas camadas de leitura.

O projeto trabalha a ideia de encantamento por meio da precisão. Detalhes, encontros, cores e objetos são organizados para sustentar a experiência comercial e facilitar operação, exposição e permanência. O aspecto lúdico nasce da relação entre os elementos, sem comprometer clareza funcional.

A arquitetura cria um lugar reconhecível, adequado à comunicação digital e à experiência presencial, com potencial para permanecer na memória de quem o atravessa.

Essa é a proposta vencedora do concurso para autoria e curadoria do Pavilhão de Santa Catarina na primeira Bienal de Arquitetura Brasileira. O projeto parte da impossibilidade de representar o estado por uma imagem única e propõe uma leitura construída por diferenças, deslocamentos e relações.

A curadoria reúne arquitetura, território, modos de produção e cultura material em núcleos que podem ser percorridos sem uma ordem cronológica fixa. Projetos, documentos, objetos, imagens e depoimentos formam um campo de pesquisa aberto, no qual referências históricas convivem com práticas contemporâneas.

A expografia atua como instrumento editorial. Suportes, planos e intervalos organizam aproximações entre trabalhos de escalas distintas, permitindo leituras rápidas e investigações mais demoradas. O percurso preserva vazios e cruzamentos, condição que favorece encontros entre conteúdos e visitantes.

A identidade do pavilhão evita a síntese folclórica e observa Santa Catarina como território plural, formado por litoral, interior, indústria, paisagem, migrações e diferentes tradições construtivas. Essas camadas aparecem por meio das obras selecionadas e das relações estabelecidas pela montagem.

O projeto posiciona o pavilhão como espaço de debate. A arquitetura expositiva, a pesquisa e a curadoria operam em conjunto para apresentar a produção catarinense dentro de uma discussão brasileira contemporânea.

Ânima investiga a sala de banho como espaço de observação do corpo, da memória e das transformações acumuladas ao longo do tempo. Desenvolvido para a Casa Dexco 2025, no Conjunto Nacional, o ambiente articula materialidade, luz e vegetação para construir uma experiência de interioridade.

O piso listrado em vermelho e branco estabelece a ordem gráfica do projeto. Sua geometria atravessa o espaço e contrasta com paredes de desenho fluido, recortes orgânicos e planos que se aproximam sem formar um limite rígido. A composição conduz o visitante por uma sequência de enquadramentos e altera a percepção de escala.

O vermelho aparece como referência ao modernismo brasileiro e à cultura visual latino-americana. Aplicado em grandes superfícies, ele assume função arquitetônica e organiza a relação entre estrutura, objetos e corpo. A presença do branco preserva intervalos de luz e amplia a leitura das curvas.

No lugar de uma imagem inteira, o espelho apresenta uma superfície fraturada. As fissuras fragmentam o reflexo e transformam a imperfeição em elemento central do ambiente. A peça registra a passagem do observador e propõe uma leitura do corpo formada por camadas, marcas e mudanças.

Cobogós e aberturas filtram a iluminação, enquanto a vegetação tropical ocupa frestas e bordas. A luz percorre folhas, superfícies minerais e planos coloridos, produzindo variações ao longo do dia. O projeto reúne referências modernas, matéria brasileira e uma espacialidade sensorial dentro de uma sala de banho concebida como território de identidade.

A Clínica Munaretto foi projetada para reunir atendimento, espera, consultórios, procedimentos e apoio em um ambiente de leitura clara e atmosfera controlada. A organização espacial prioriza percursos diretos, privacidade e integração entre arquitetura, iluminação e sistemas técnicos.

A recepção concentra a identidade do projeto. Superfícies minerais, volumes de desenho preciso e luz indireta formam uma composição serena, sem recorrer ao repertório visual convencional de ambientes clínicos. Portas mimetizadas, rodapés embutidos e encontros contínuos reduzem interrupções e reforçam a percepção de unidade.

Vidros translúcidos filtram vistas entre circulação e salas, preservando a entrada de luz. A escolha dos diferentes graus de transparência responde às necessidades de cada ambiente e cria profundidade mesmo nos trechos mais compactos da planta.

Materiais de alta resistência aparecem com acabamento tátil. Revestimentos, porcelanatos, metais e superfícies laváveis foram compatibilizados com as exigências de manutenção, acústica e uso intensivo. A iluminação combina níveis gerais confortáveis com focos destinados ao trabalho técnico.

O resultado aproxima precisão funcional e sensação de acolhimento. Cada elemento participa da rotina clínica e contribui para uma experiência contínua desde a chegada, com identidade própria e baixo ruído visual.

Em apenas 32 m², o projeto para a Dimarmo transforma a pedra de produto exposto em matéria arquitetônica.

O espaço foi construído a partir da própria natureza geológica das rochas. Camadas, cortes, veios, espessuras e superfícies orientam o desenho e criam uma atmosfera densa, quase mineral. A arquitetura trabalha com a sensação de entrar em uma matéria escavada, onde cada plano revela uma nova leitura da pedra.

O travertino percorre as paredes em grandes placas posicionadas lado a lado. O desenho horizontal dos veios cria continuidade entre as peças e faz a superfície assumir a escala de uma paisagem. As bordas superiores permanecem irregulares, preservando uma presença bruta que evidencia a origem natural do material.

Perfis verticais interrompem essa continuidade em intervalos precisos e revelam a lógica de montagem. A tectônica permanece visível. Pedra, estrutura e encontro são tratados como partes do mesmo desenho.

Em contraste, volumes escuros aparecem como elementos monolíticos. O bar, o lavatório e os planos verticais concentram materiais de maior densidade cromática e criam pontos de profundidade dentro do espaço. No lavabo, um cilindro de pedra funciona como cuba e pedestal, enquanto outro volume suspenso repete a mesma geometria acima dele. O espelho oval atravessa a composição e multiplica reflexos, texturas e luz.

A iluminação foi incorporada à matéria. Fontes indiretas percorrem o limite irregular das placas e revelam seus relevos. Em outros pontos, a luz atravessa a espessura da pedra e evidencia desenhos que durante o dia permanecem silenciosos. O ambiente muda de leitura conforme a iluminação se transforma.

A área de atendimento ocupa o centro do espaço com grandes superfícies minerais de diferentes tonalidades. A proximidade entre mesa, bar, parede e piso cria uma experiência imersiva, onde a variedade das rochas pode ser percebida pela cor, pelo toque, pelo brilho, pela temperatura e pelo peso visual.

O projeto entende o showroom como um lugar de contato direto com a matéria. Cada pedra apresenta sua própria formação, suas imperfeições e seu tempo.

A arquitetura apenas cria as condições para que essa história permaneça visível.

Em apenas 32 m², o projeto para a Dimarmo transforma a pedra de produto exposto em matéria arquitetônica.

O espaço foi construído a partir da própria natureza geológica das rochas. Camadas, cortes, veios, espessuras e superfícies orientam o desenho e criam uma atmosfera densa, quase mineral. A arquitetura trabalha com a sensação de entrar em uma matéria escavada, onde cada plano revela uma nova leitura da pedra.

O travertino percorre as paredes em grandes placas posicionadas lado a lado. O desenho horizontal dos veios cria continuidade entre as peças e faz a superfície assumir a escala de uma paisagem. As bordas superiores permanecem irregulares, preservando uma presença bruta que evidencia a origem natural do material.

Perfis verticais interrompem essa continuidade em intervalos precisos e revelam a lógica de montagem. A tectônica permanece visível. Pedra, estrutura e encontro são tratados como partes do mesmo desenho.

Em contraste, volumes escuros aparecem como elementos monolíticos. O bar, o lavatório e os planos verticais concentram materiais de maior densidade cromática e criam pontos de profundidade dentro do espaço. No lavabo, um cilindro de pedra funciona como cuba e pedestal, enquanto outro volume suspenso repete a mesma geometria acima dele. O espelho oval atravessa a composição e multiplica reflexos, texturas e luz.

A iluminação foi incorporada à matéria. Fontes indiretas percorrem o limite irregular das placas e revelam seus relevos. Em outros pontos, a luz atravessa a espessura da pedra e evidencia desenhos que durante o dia permanecem silenciosos. O ambiente muda de leitura conforme a iluminação se transforma.

A área de atendimento ocupa o centro do espaço com grandes superfícies minerais de diferentes tonalidades. A proximidade entre mesa, bar, parede e piso cria uma experiência imersiva, onde a variedade das rochas pode ser percebida pela cor, pelo toque, pelo brilho, pela temperatura e pelo peso visual.

O projeto entende o showroom como um lugar de contato direto com a matéria. Cada pedra apresenta sua própria formação, suas imperfeições e seu tempo.

A arquitetura apenas cria as condições para que essa história permaneça visível.

O Lumini Residence desenvolve uma identidade residencial a partir de luz, repetição e cor. A fachada é organizada por uma malha regular de aberturas e varandas, atravessada por um núcleo vertical que recebe composição gráfica própria e atua como referência urbana.

Faixas cromáticas variam ao longo da torre de circulação. Tons terrosos, cinzas e verdes aparecem em módulos de alturas diferentes, evitando uma repetição mecânica entre os pavimentos. Brises em alumínio escuro aprofundam as sombras e reforçam a leitura vertical do edifício.

A base aproxima arquitetura e paisagem por meio de canteiros, bancos integrados e superfícies contínuas. Os acessos recebem enquadramentos claros e iluminação incorporada, criando uma transição reconhecível entre rua, hall e áreas comuns.

Nos interiores, a mesma paleta reaparece em proporções controladas. Madeira, pedra e planos coloridos organizam salão de festas e hall, enquanto a iluminação linear acompanha encontros, nichos e planos de circulação. O conjunto preserva unidade sem repetir literalmente a fachada.

O projeto utiliza recursos simples como cor, sombra, módulo e vegetação para construir presença. O edifício se torna legível no tecido urbano e mantém uma atmosfera doméstica nas áreas de uso coletivo.

O Royal Residence trabalha repetição, sombra e profundidade. Varandas, planos verticais, brises e enquadramentos formam uma ordem contínua, interrompida por diferenças de cor e espessura. O edifício mantém leitura clara a distância e revela detalhes conforme a aproximação.

A paleta utiliza tons minerais e acentos cromáticos para construir identidade sem depender de elementos aplicados. Cor e material participam do volume, marcam acessos e reforçam a percepção dos diferentes planos. A vegetação acompanha a base e os espaços coletivos, conectando a escala do edifício ao uso cotidiano.

Nos interiores, madeira, pedra e superfícies de tonalidade quente prolongam a pesquisa da fachada. Hall, salão de festas, espaço infantil e academia recebem soluções específicas, ligadas por um mesmo sistema de proporções, iluminação e acabamentos. A continuidade reduz a sensação de ambientes isolados e estabelece uma narrativa comum para o conjunto.

O projeto trata a experiência residencial desde a chegada até os espaços de convivência. A arquitetura funciona como identidade do empreendimento e como estrutura para a vida coletiva, articulando memória moderna, materialidade local e uso contemporâneo.

O stand da Invicta na ABUP Show 2025 foi concebido para apresentar um novo posicionamento da marca por meio de um ato de revelação. Em 207 m², uma longa cortina verde contorna o programa e substitui a fachada convencional por uma superfície móvel, contínua e parcialmente enigmática.

A estratégia aproxima a arquitetura expositiva da cenografia de moda. Em vez de oferecer uma leitura imediata de tudo o que acontece no interior, o perímetro libera fragmentos, cria acessos pontuais e faz com que a aproximação seja conduzida pela curiosidade. O stand não se apresenta de uma só vez. Ele se deixa descobrir por camadas.

O descortinamento é literal e conceitual. Ao atravessar o tecido, o visitante encontra galerias iluminadas para os produtos, espaços de encontro e salas de reunião protegidas por novas curvas de cortina. A flexibilidade do material permite alternar abertura e privacidade sem recorrer a uma sequência rígida de paredes.

No centro, uma grande estrutura luminosa suspensa funciona simultaneamente como identificação, instalação e referência de escala. Barras horizontais de luz e planos refletivos fragmentam a palavra Invicta, multiplicam o movimento das pessoas e tornam o stand reconhecível à distância dentro do pavilhão.

O verde organiza piso, tecido, vitrines e atmosfera. A concentração cromática evita a dispersão visual comum às feiras e cria um campo estável para os produtos, apresentados em nichos claros e retroiluminados. Branco, vidro e reflexos metálicos aparecem como contrapontos precisos.

A simplicidade formal depende do acabamento, da repetição e do controle do percurso. A arquitetura trabalha com mistério sem impedir o acesso, com teatralidade sem recorrer ao excesso e com privacidade sem produzir isolamento.

O resultado transforma a mudança de identidade da Invicta em experiência física. Entrar, atravessar, abrir e descobrir tornam-se ações associadas à marca, enquanto o stand opera como espaço comercial, cenário e dispositivo de comunicação.

O briefing veio quase como um ultimato: “Ame-o ou deixe-o.”

O apartamento de 120 m² já não correspondia à maneira como seus moradores queriam viver. A reforma deveria responder a uma pergunta bastante objetiva: ainda fazia sentido permanecer ali?

A transformação foi integral. A nova arquitetura reorganiza o apartamento a partir da experiência cotidiana e aproxima cozinha, jantar e estar em uma sequência contínua. Cozinhar, receber, trabalhar e descansar passam a compartilhar o mesmo espaço, com diferentes graus de proximidade e permanência ao longo do dia.

A materialidade conduz essa continuidade.

A madeira percorre o piso em paginação espinha de peixe e reaparece em planos verticais, criando uma base quente para superfícies de maior densidade visual. Tons grafite, pedra escura, metal preto e grandes planos de marcenaria definem a cozinha. O azul profundo atravessa a área social como uma interrupção cromática precisa e estabelece outra camada de profundidade no conjunto.

A tectônica permanece deliberadamente aparente. Estruturas metálicas descem do teto para sustentar prateleiras e envolver a coifa. Lâminas, planos, encontros e espessuras permanecem visíveis. Na ilha, diferentes pedras revelam peso, apoio e encaixe. A construção participa da linguagem do apartamento e permite que cada material seja percebido também pela maneira como toca, sustenta ou encontra o seguinte.

Essa lógica chega ao mobiliário e aos objetos. Estantes abertas acomodam livros, plantas e peças acumuladas pela vida cotidiana. Volumes baixos preservam a continuidade visual do estar. Pedra, madeira, tecido e metal constroem uma experiência tátil marcada por diferentes temperaturas, texturas e reflexos.

A reforma devolveu ao apartamento algo que havia se perdido: o desejo de permanecer.

A pergunta que iniciou o projeto acabou respondida pelo próprio espaço.

Eles ficaram.

O projeto parte de uma pergunta simples: como deveria ser o primeiro contato de alguém com uma futura casa?

A Central de Vendas ARRKA foi pensada para retirar da experiência imobiliária a atmosfera excessivamente comercial que costuma marcar esses espaços. O atendimento acontece em um ambiente construído a partir de códigos domésticos, com a escala, o conforto e a informalidade de uma sala preparada para receber amigos.

Os 120 m² são organizados como uma sucessão de pequenas situações de permanência. Sofás generosos, poltronas, mesas de jantar, bar e áreas de conversa permitem que cada encontro encontre seu próprio ritmo. A venda deixa de determinar a atmosfera do espaço. O projeto concentra a atenção na experiência de chegar, sentar, conversar e permanecer.

A materialidade estabelece diferentes graus de intimidade.

A madeira avermelhada constrói um grande volume que percorre paredes e teto, formando uma espécie de recinto dentro do próprio espaço. Sua continuidade reforça a percepção de abrigo e faz com que planos horizontais e verticais sejam lidos como uma única superfície. A pedra escura surge em volumes baixos e densos, desenhando bases, bancadas e elementos de apoio com forte presença tectônica.

Nas áreas mais abertas, superfícies claras recebem a luz natural e equilibram a densidade dos materiais. Um painel ondulado introduz ritmo e profundidade por meio da repetição vertical, enquanto metal, palhinha, tecidos e peças de mobiliário de geometrias distintas acrescentam novas escalas de textura ao conjunto.

A arquitetura também trabalha com enquadramentos. Passagens revestidas de madeira comprimem momentaneamente o campo visual antes de revelar novos ambientes. Cortinas em degrades azuis filtram a luz junto à fachada. Obras de arte, objetos e peças decorativas ocupam o espaço sem a lógica de uma cenografia comercial, como elementos que poderiam ter sido acumulados ao longo do tempo por quem vive ali.

Essa familiaridade foi o principal instrumento do projeto.

Antes de apresentar um empreendimento, a central apresenta uma possibilidade de vida. Um lugar onde a conversa pode começar sem pressa, em torno de uma mesa, de uma obra, de um café ou de um copo servido no bar.

O showroom da Dummagran parte de uma questão direta: como apresentar pedras naturais sem reduzir sua leitura a pequenas amostras? Em 70 m² distribuídos entre dois níveis, o projeto transforma o próprio espaço em catálogo e posiciona o visitante dentro de uma composição construída integralmente a partir das possibilidades do material.

No piso, diferentes pedras formam uma malha geométrica em verdes, cinzas e tons minerais. A recepção surge como um bloco de pedra esverdeada, marcado por cortes verticais que revelam espessura, brilho e precisão de beneficiamento. A escada, revestida em material escuro, assume presença monolítica e conduz ao pavimento superior como uma extensão da exposição.

A parede principal funciona como uma biblioteca mineral. Discos de diferentes espécies são organizados sobre o fundo de madeira e recebem iluminação individual. O formato circular retira as amostras da lógica convencional de mostruário, permite comparações imediatas e cria uma composição capaz de permanecer legível mesmo quando o espaço não está em atendimento.

A madeira atua como intervalo entre as superfícies de forte desenho. Sua tonalidade quente estabelece ordem e reduz a competição entre os veios, enquanto a iluminação rasante acentua profundidades, bordas e variações naturais sem uniformizar as pedras.

Escala, corte, acabamento e encontro são apresentados como informação de projeto. Algumas peças aparecem como superfícies contínuas. Outras são fracionadas, frisadas, sobrepostas ou iluminadas. O showroom demonstra técnicas e aplicações ao mesmo tempo em que mantém uma atmosfera próxima à de uma galeria.

Em vez de construir um fundo neutro para o produto, a arquitetura assume a geologia como linguagem. Cada percurso aproxima o visitante de uma condição diferente da matéria e transforma escolha, comparação e especificação em uma experiência espacial.

Para a primeira participação da Dynamis com projeto assinado pelo escritório, a energia solar foi tratada como uma experiência de tempo.

O projeto parte do ciclo circadiano e da relação direta entre luz, corpo e passagem das horas. O stand é organizado como um percurso cromático que acompanha diferentes momentos do dia, conduzindo o visitante por uma sequência de azul, branco e laranja até chegar ao entardecer.

A arquitetura nasce da repetição de planos inclinados. Cada lâmina recebe uma linha contínua de luz e sofre uma pequena rotação em relação à anterior. A sucessão desses elementos cria uma estrutura em movimento aparente, formando túneis, aberturas e enquadramentos que se alteram conforme o visitante avança.

A luz desenha a tectônica do projeto. Ela acompanha cada plano, evidencia sua espessura e transforma a repetição construtiva em uma sequência luminosa. O efeito muda de acordo com o ponto de observação: linhas paralelas se aproximam, cruzam e desaparecem em diferentes perspectivas.

O azul define o início do percurso e estabelece uma atmosfera associada às primeiras horas do dia. Gradualmente, superfícies mais claras aumentam a luminosidade até que o laranja passa a ocupar a arquitetura e conduz ao último ambiente.

No centro dessa trajetória, um painel fotovoltaico aparece incorporado à composição. O produto é apresentado dentro do fenômeno que lhe dá origem, fazendo da captação solar parte da narrativa espacial. Ao redor dele, textos, equipamentos e pontos de recarga aproximam tecnologia, informação e experiência.

O bar encerra o percurso em uma atmosfera inteiramente laranja. A mudança cromática marca o entardecer e transforma a passagem pelo stand em uma leitura abstrata do movimento diário do sol.

A identidade da Dynamis também orienta o desenho gráfico. Azul e laranja deixam de funcionar somente como cores institucionais e passam a determinar direção, profundidade, luminosidade e circulação.

Durante alguns minutos, caminhar pelo stand significa atravessar um dia.

A energia deixa um rastro de luz pelo caminho.

O Ecossistema Heli Brasil foi concebido como um habitat híbrido, onde tecnologia, natureza e indústria compartilham uma mesma estrutura.

Em uma feira marcada pela repetição de superfícies gráficas e sistemas construtivos temporários, o projeto concentra sua identidade na própria arquitetura. Uma estrutura metálica vermelha organiza os 100 m² em diferentes núcleos de experiência, envolvendo áreas de exposição, encontro, permanência e relacionamento da marca.

A malha metálica estabelece a principal ordem tectônica. Curvas, pórticos e grandes volumes cilíndricos formam uma estrutura permeável, capaz de definir ambientes sem interromper completamente a relação visual entre eles. O vermelho cobre piso, mobiliário, estrutura e fechamentos, transformando o conjunto em uma presença cromática contínua dentro do pavilhão.

A vegetação ocupa a parte superior dessas estruturas e cresce sobre a rigidez industrial do metal. Folhagens pendentes atravessam a malha e criam uma paisagem suspensa, aproximando dois universos centrais para o posicionamento da Heli Brasil: desenvolvimento tecnológico e responsabilidade ambiental.

No núcleo principal, um painel de LED curvo e translúcido acompanha a geometria da arquitetura. Imagem, luz e estrutura passam a operar conjuntamente. A automação luminotécnica sincroniza diferentes fontes de luz ao conteúdo audiovisual e altera a percepção do espaço ao longo da experiência.

Os tubos luminosos aparecem soltos dentro das estruturas metálicas, quase como linhas de energia atravessando um organismo. Sua disposição irregular introduz movimento e contraste diante da repetição precisa da malha. Durante o percurso, reflexos, transparências, vegetação e luz produzem diferentes níveis de profundidade.

A materialidade acompanha o discurso ambiental do projeto. Madeira de reuso incorpora textura e memória, enquanto o metal assume protagonismo por sua durabilidade, capacidade de desmontagem e potencial de reciclagem. A escolha dos materiais considera também o ciclo posterior à feira e a possibilidade de novos usos.

Áreas de conversa aparecem protegidas por cortinas translúcidas vermelhas. Mobiliário branco e superfícies transparentes criam pequenas interrupções dentro da saturação cromática e oferecem momentos de maior intimidade dentro de uma arquitetura deliberadamente aberta e comunicativa.

O projeto transforma o posicionamento da Heli Brasil em uma experiência física. Tecnologia aparece como luz, movimento e informação. Sustentabilidade surge na matéria, na vegetação e na lógica construtiva. Indústria se revela na estrutura que sustenta tudo isso.

Um ecossistema construído para existir durante poucos dias e comunicar uma visão de futuro.

Em aproximadamente 40 m², o escritório da Esatta Engenharia precisava acomodar trabalho individual, atendimento, reuniões e armazenamento sem transformar a área reduzida em uma sequência de compartimentos. A resposta parte de poucos gestos, tratados com continuidade e escala suficiente para organizar todo o conjunto.

Um volume de madeira escura percorre o espaço e reúne armários, nichos, passagens e superfícies de apoio. Seus encontros arredondados suavizam a transição entre os ambientes e fazem com que a marcenaria seja percebida como uma infraestrutura contínua, não como uma coleção de móveis independentes.

Em contraste, paredes e teto recebem um verde claro de baixa saturação. A cor envolve as áreas de reunião e circulação, reduz a rigidez do programa corporativo e estabelece uma atmosfera silenciosa. Madeira clara no piso e peças pontuais em tons terrosos evitam que a oposição entre claro e escuro se torne excessivamente gráfica.

As divisórias transparentes preservam a profundidade visual do escritório. Elas separam a sala principal e a estação compartilhada sem bloquear a entrada de luz nem interromper o eixo longitudinal. A bancada escura acompanha esse eixo e reforça a percepção de comprimento, enquanto a mesa redonda ocupa a área de reunião como um ponto de pausa.

Nichos iluminados aparecem apenas onde o projeto precisa criar espessura, acolher objetos ou marcar uma passagem. A iluminação não busca uniformidade absoluta. Ela trabalha por camadas, valorizando a curvatura da madeira e produzindo zonas de maior concentração dentro de uma base difusa.

A precisão do projeto está na redução de elementos e na repetição controlada de materiais. Ao tratar armazenamento, circulação e identidade como uma única operação, o pequeno escritório adquire unidade e permanece aberto a diferentes formas de uso.

O apartamento foi feito dentro de uma garagem. O projeto assume essa condição como ponto de partida, não como problema a esconder: o concreto original permanece aparente — a laje acima com as tubulações e os trilhos à vista, as colunas mantidas no meio do ambiente, o piso em concreto queimado. Nada é acrescentado para explicar o espaço; o que sustenta o edifício é o que se vê.

O resto é uma lista curta de materiais, mantida numa faixa estreita. As paredes são pretas, de textura rústica; contra elas, o couro caramelo — a poltrona e o painel capitonê do quarto. Cadeiras de tela metálica acompanham uma mesa redonda de concreto com um galho seco, e blocos de vidro pretos funcionam como mesas laterais. A marcenaria escura forma a cozinha, integrada ao ambiente; uma porta ripada fecha o bar, e a máquina de lavar fica embutida sob o balcão.

Uma quebra deliberada: o banheiro é revestido em azulejo branco quadriculado, com vaso rosa. Na parede, uma única palavra em letras grandes: BREATHE. Um interior compacto em Balneário Camboriú que mantém a estrutura à vista e não pede mais nada dela.

Para a participação da Dynamis na Intersolar South America 2024, a energia deixa de ser representada como símbolo e passa a determinar a experiência espacial. O stand de 72 m² é construído por lâminas horizontais azuis que formam um volume aparentemente compacto, mas permitem que o interior laranja seja percebido em fragmentos.

A pele vazada filtra a visão, controla a exposição do programa e altera sua leitura conforme o visitante se desloca. Em alguns pontos, a marca aparece horizontalmente entre as lâminas. Em outros, é posicionada na vertical e acompanha a altura do volume, transformando a comunicação em parte da estrutura.

No interior, sucessivos quadros luminosos em azul e laranja convergem para um vazio central. A mudança gradual de direção produz uma perspectiva acelerada, próxima a um túnel ou campo de propagação. A luz não apenas ilumina o espaço. Ela desenha profundidade, induz movimento e materializa a ideia de energia em fluxo.

A frase Sua energia faz toda diferença, tudo é energia, repete-se ao longo de uma das fachadas. A mensagem perde a condição de texto isolado e passa a compor uma superfície contínua, lida simultaneamente como padrão, textura e posicionamento de marca.

A oposição cromática organiza toda a arquitetura. O azul estabelece a estrutura, o ritmo e a presença externa. O laranja aparece como emissão interna, calor e intensidade. À distância, o stand se apresenta como um corpo nítido. Na aproximação, revela sobreposições, transparências e diferentes velocidades de leitura.

O projeto transforma uma área compacta em um dispositivo óptico reconhecível dentro do pavilhão. Produto, encontro e comunicação são reunidos por uma linguagem em que forma, cor e iluminação trabalham como partes de um mesmo circuito.

Para o stand de 100 m² da Harden, a lógica construtiva das ferramentas é convertida em arquitetura. Em vez de recorrer ao expositor convencional, o projeto cria uma matriz metálica habitável, precisa e repetitiva, capaz de sustentar produtos, comunicação, luz e circulação dentro de um mesmo sistema.

A grelha laranja distribui o portfólio em diferentes alturas e transforma o conjunto em um inventário tridimensional. Objetos, caixas, equipamentos e máquinas deixam de ocupar um plano de fundo para construir a própria percepção do espaço. Barras luminosas diagonais interrompem a ortogonalidade da estrutura e introduzem uma tensão gráfica ligada ao movimento, ao corte e à energia do trabalho.

No centro, a torre expositiva amplia a presença da marca no pavilhão e permite que os produtos sejam percebidos acima da linha dos stands vizinhos. Ao redor dela, módulos vazados formam limites sem produzir paredes opacas. O ambiente permanece visível por todos os lados, enquanto a plataforma elevada e a iluminação âmbar junto ao piso definem um território claro dentro da feira.

O bar longitudinal funciona como contraponto à densidade da estrutura. Escuro, contínuo e protegido por uma cobertura de grande escala, ele organiza atendimento e permanência sob a inscrição Harden Tool Bar. O nome articula bancada de ferramentas e espaço de encontro, deslocando a recepção comercial para uma situação mais social e menos protocolar.

O preto e o grafite absorvem parte do ruído visual do pavilhão. O laranja e a luz quente concentram a atenção no produto e orientam o percurso. A cor, portanto, não é aplicada depois da forma. Ela participa da estrutura, da hierarquia e da leitura do stand.

O resultado é simultaneamente sistema expositivo, espaço de convivência e demonstração da identidade da Harden. Modularidade, resistência e precisão deixam de ser apenas atributos dos produtos e passam a determinar a construção do ambiente.

Para a segunda participação da Heli Brasil desenvolvida pelo escritório, o projeto parte da linguagem criada anteriormente e a expande para uma área de 280 m². Em vez de substituir a identidade espacial construída no primeiro encontro, o novo stand trabalha por continuidade: estrutura metálica aparente, vegetação tropical, superfícies translúcidas, luz e a presença dominante do vermelho retornam em uma configuração mais complexa e de maior escala.

O espaço é organizado como um pequeno território dentro da feira. Percursos atravessam diferentes núcleos de exposição, permanência, atendimento, tecnologia e produtos, evitando a leitura convencional de um stand composto por fachada e ambientes internos independentes.

No centro, uma estrutura circular concentra a principal experiência expositiva. Máquinas da Heli ocupam uma plataforma envolvida por vegetação, estrutura metálica e uma grande superfície de mídia translúcida. A iluminação incorporada à estrutura reforça seu caráter tecnológico, enquanto a presença vegetal introduz uma camada deliberadamente orgânica ao universo industrial da marca.

Ao redor desse núcleo, volumes de menor escala constroem diferentes situações de uso. Bancadas sinuosas funcionam simultaneamente como áreas de encontro e como grandes floreiras. Estruturas metálicas vazadas recebem vegetação pendente, produtos, comunicação e mobiliário. Painéis translúcidos permitem perceber movimento e silhuetas através das superfícies, mantendo conexão visual entre os ambientes sem eliminar a sensação de interioridade.

O vermelho deixa de funcionar apenas como aplicação da identidade corporativa e passa a constituir a própria arquitetura. Piso, volumes, estruturas, mobiliário e iluminação operam dentro de uma mesma família cromática, contraposta pelo preto do metal e pelo verde intenso da vegetação.

Se no primeiro projeto a questão estava em construir uma tradução espacial para a identidade da Heli, aqui essa linguagem ganha escala e passa a organizar uma experiência completa de marca. O stand deixa de funcionar apenas como suporte para exposição de equipamentos e se transforma em um ambiente capaz de articular produto, tecnologia, encontro e permanência.

Apostando mais uma vez na ousadia de um espaço manifesto, Jeferson Branco chega à sua terceira CASACOR aos 29 anos. A composição do ambiente do bar de convivência da mostra assinado por ele abriga jardim suspenso, peças orgânicas e questionamento sobre de onde viemos e para onde vamos.

Nada é quadrado no espaço que o arquiteto Jeferson Branco assina para a CASACOR Balneário Camboriú (SC) 2023. Nem na forma, nem na personalidade. O [t3chno.DELTA], projeto do bar do espaço de convívio da mostra que acontece no litoral catarinense e traz como tema Corpo e Morada, é um lugar para ser contemplado e questionado, já que na arquitetura de Jeferson perguntar faz parte da decoração. O ambiente manifesto inspirado num pântano traz verde, literalmente, do chão ao teto, abrigando as formas mais primitivas da natureza, o que é orgânico. E tudo isso, para alertar sobre o uso excessivo de tecnologia levando à tona se estamos mais na nuvem que conectados às raízes.

Neste projeto Jeferson traz a ascensão da inteligência artificial como inspiração para o tema central do espaço que pergunta: Para onde vamos? Segundo o arquiteto, “o projeto é uma lembrança de que o pântano também é um lugar de inovação e descoberta, e traz blend bem-humorado entre a biofilia e o high-tech, a dualidade entre ancestralidade e futurismo, levantando questionamentos sobre de onde viemos e para onde vamos”. E para tanto, os quase 100m² que ele transformou num vasto delta arquitetônico tem madeira, pedra, ferro e peças singulares que compõem o ambiente, no mínimo, provocativo.

Entre os elementos que compõem o projeto [t3chno.DELTA] estão um sistema de automação de cabeamento desenvolvido por alunos da PUC do Rio Grande do Sul, luminária italiana desenhada em 1964 por Bruno Munari, banquetas contemporâneas de Leonardo Zanatta, designer Forbes Under 30, um sofá de Victor Vasconcelos, mesas de apoio Pangea em madeira roxinha assinadas pelo próprio Jeferson, que também assina o tapete da coleção Protozoa. Tudo isso, enquanto o uso de Speranza, um quartzo exótico extraído no Brasil remete ao natural, e o aço escovado aplicado em algumas áreas do projeto traz a relação com o futurismo e a tecnologia. E com esta composição visual meio Jetsons e meio Flintstones, fica claro que o pântano é um cenário fértil onde a vida nasce, evolui e adapta-se. Não necessariamente nesta ordem.

Seguindo o passeio pelos detalhes do [t3chno.DELTA], a curadoria das peças sempre faz o contraponto de designers já consagrados e da vanguarda no Brasil, enfatizando sempre essa dualidade entre passado e futuro. Nas paredes as imagens botânicas de Walmor Corrêa dividem espaço com espelho orgânico de Rodrigo Ohtake enquanto do teto caem plantas naturais do paisagismo de Laura Rotter. Segundo a sócia e irmã de Jeferson Branco, Letícia Branco, “o ambiente deve promover um momento de reflexão para quem visitar a CASACOR e esperamos que, mais que apenas apreciar, o visitante busque entender a mensagem que tentamos passar alinhando formas, conceitos, materiais e profissionais do passado, presente e futuro”.

O apartamento decorado da Arrka foi desenvolvido como uma síntese de modos de morar contemporâneos, com ambientes integrados, circulação fluida e uma linguagem material clara.

A área social concentra a principal experiência do projeto. Estar, jantar e cozinha compartilham uma mesma sequência visual, organizada por uma base neutra de tons claros, madeira natural e superfícies minerais. A integração permite que o espaço seja percebido como um conjunto contínuo, sem perder a identidade de cada uso.

A madeira atua como elemento de conexão. Aparece em painéis, portas, marcenaria e mobiliário, construindo uma presença quente e constante ao longo do apartamento. Em contraponto, pedra clara, metais brancos e tecidos naturais mantêm a atmosfera leve e ampliam a percepção de luminosidade.

Na cozinha, a ilha em pedra concentra preparo, apoio e encontro. O desenho curvo nas extremidades suaviza sua presença e aproxima o volume do corpo. Prateleiras metálicas suspensas trabalham com espessuras mínimas e deixam objetos e utensílios expostos como parte da composição cotidiana.

A sala de estar segue a mesma lógica de continuidade. Grandes superfícies de madeira organizam a parede principal, enquanto o mobiliário baixo preserva o campo visual e mantém a relação direta com a fachada e a luz natural. O tapete introduz cor e movimento em uma composição de base silenciosa.

O azul aparece como uma ruptura controlada no hall e em elementos pontuais do mobiliário. A cor cria profundidade, marca transições e estabelece uma camada de identidade dentro de uma paleta predominantemente clara.

Nos dormitórios, a escala se torna mais íntima. Revestimentos estofados, madeira, papel de parede e iluminação indireta constroem uma atmosfera de repouso. Verdes suaves, rosados e tons naturais aparecem em pequenos planos, objetos e tecidos, aproximando cada ambiente de um registro mais pessoal.

A tectônica do projeto se revela nos encontros entre planos, nas espessuras da marcenaria, nos recortes das pedras e na maneira como cada material toca o seguinte. A intenção foi construir uma experiência residencial de fácil leitura, onde conforto, funcionalidade e materialidade permanecem visíveis no uso diário.

O apartamento organiza uma ideia de morar baseada em continuidade, luz, textura e permanência.

O projeto começou de uma maneira pouco provável. O escritório recebeu o pedido de orçamento para uma peixaria sem entender exatamente como aquele programa havia chegado até nós. A proposta foi enviada quase sem expectativa de continuidade. O cliente não apenas aprovou o projeto como o executou integralmente.

Mas a encomenda também não era exatamente uma peixaria.

Em anexo a indústria, o proprietário queria criar uma pequena cozinha de experiência para receber chefs dos restaurantes que abastece e colocá-los em contato direto com os pescados recém-chegados. Um espaço de apenas 20 m² onde produto, preparo e encontro passassem a fazer parte de uma mesma experiência.

A proximidade com o mar orientou o projeto sem recorrer a uma representação literal do universo náutico. A referência veio das marolas que avançam sobre a praia e, ao recuar, deixam sucessivas linhas desenhadas na areia.

Esse movimento foi abstraído e transferido para o teto. Camadas curvas percorrem o espaço em diferentes alturas, criando uma topografia suspensa acentuada pela iluminação indireta. Entre elas, superfícies de textura mineral aproximam a arquitetura da granulação da areia.

No plano inferior, a pedra natural assume o contraponto cromático. Seus veios azulados, verdes e avermelhados atravessam bancadas e backsplash como uma matéria geológica em movimento, enquanto madeira, cerâmica branca e superfícies claras reduzem o restante da paleta.

A pequena escala fez com que praticamente nenhuma superfície pudesse ser neutra. Teto, paredes, bancada, iluminação, mobiliário e a coleção de ilustrações de espécies marinhas constroem juntos a identidade do ambiente.

O resultado é uma cozinha profissional reduzida ao tamanho de uma sala de encontros: um lugar entre a origem do ingrediente e aquilo que ele ainda pode se tornar.

Para a EuReciclo, a arquitetura parte da própria matéria que sustenta o discurso da marca: aquilo que consumimos, descartamos, recuperamos e colocamos novamente em circulação.

O projeto foi desenvolvido em duas escalas complementares, um stand de 18 m² e um lounge de 100 m², ambos concebidos para transformar dados sobre reciclagem em uma experiência espacial direta, visual e tátil.

No stand, verde e azul ocupam integralmente piso, paredes e teto. As cores institucionais deixam a superfície gráfica e passam a construir o próprio espaço. Entre elas, uma linha contínua de luz percorre planos horizontais e verticais em um desenho orgânico, conectando ambientes, mobiliário e comunicação como um fluxo em permanente movimento.

Grandes estruturas metálicas vazadas recebem resíduos plásticos e embalagens descartadas. A matéria que normalmente desaparece depois do consumo ganha escala arquitetônica e se torna parte da fachada. Sua presença expõe quantidade, volume e acúmulo de forma imediata, aproximando números abstratos de uma percepção física.

A comunicação também participa da construção. Painéis suspensos apresentam dados sobre geração de resíduos, reciclagem e responsabilidade ambiental, criando diferentes camadas de leitura durante o percurso. O visitante circula entre informação, matéria e luz.

O desenho explora uma tectônica simples e legível. Perfis metálicos, telas, OSB, chapas, mobiliário industrial e elementos reaproveitáveis constroem um sistema pensado para montagem, desmontagem e circulação entre eventos. A escolha dos materiais acompanha a lógica de uma arquitetura temporária consciente de sua própria duração.

No lounge, essa mesma linguagem assume uma escala de permanência. Estruturas em OSB organizam bancos e áreas de encontro, enquanto recipientes industriais, peças metálicas e volumes associados ao universo do descarte são incorporados ao mobiliário. O espaço funciona como extensão da identidade da marca e como lugar para conversas, reuniões e troca de conhecimento.

A EuReciclo fala sobre transformar resíduos em novos ciclos. O projeto traduz esse princípio em matéria, percurso e construção.

A proximidade com o mar orienta este apartamento de 143 m² pela luz, pela abertura e por uma materialidade de caráter natural. O projeto constrói uma atmosfera clara e cotidiana, onde madeira, tons minerais, vegetação e pontos de cor acompanham a luminosidade que atravessa os ambientes ao longo do dia.

A área social foi organizada como um espaço contínuo. Cozinha, jantar e estar compartilham a mesma sequência visual, permitindo que diferentes atividades aconteçam com proximidade e sem interromper a leitura do conjunto. O mobiliário participa dessa organização por meio de volumes baixos, estruturas delgadas e superfícies que preservam a sensação de amplitude.

A madeira estabelece a principal ordem material do apartamento. Ela aparece no piso, na marcenaria, nos grandes painéis verticais e avança sobre o teto da cozinha, formando um plano contínuo que delimita esse núcleo dentro da área social. O desenho dos frisos e encontros evidencia sua construção e cria uma leitura tectônica precisa entre planos horizontais e verticais.

Na cozinha, uma estrutura metálica branca suspensa atravessa o ambiente e incorpora prateleiras, vegetação e a coifa. A leveza visual da peça contrasta com a presença sólida da ilha e com os grandes volumes de marcenaria. A árvore junto à fachada introduz outra escala ao espaço e aproxima a vegetação da rotina doméstica.

O terracota aparece como uma inflexão cromática no estar. A cor ocupa parede, teto e passagem, criando um recorte espacial que modifica a percepção do ambiente sem depender de novas divisórias. A luz intensifica essa superfície ao longo do dia e estabelece uma relação direta entre cor, arquitetura e tempo.

Na sala de jantar, a estante branca é desenhada como uma estrutura aberta e ritmada. Objetos, cerâmicas, livros e plantas ocupam seus intervalos e deixam que a vida cotidiana complete a composição. Madeira, palhinha e couro acrescentam novas texturas ao conjunto e reforçam uma atmosfera tátil e informal.

Os ambientes íntimos seguem a mesma lógica de clareza. Tons neutros, madeira clara e elementos verticais constroem um espaço silencioso, com a marcenaria concentrando funções e liberando superfícies.

O apartamento encontra sua identidade no encontro entre matéria, cor e paisagem. A arquitetura cria uma base serena para que o tempo, os objetos, as plantas e a própria vida dos moradores continuem transformando o espaço.

Para a Mini King, o projeto parte da ideia de criar um pequeno universo reconhecível pelas crianças e, ao mesmo tempo, confortável para os adultos que as acompanham.

A arquitetura organiza a loja como uma sequência de situações de descoberta. Expositores baixos, nichos acessíveis, mobiliário de desenho arredondado e diferentes alturas aproximam os produtos da escala infantil e estimulam uma relação direta com o espaço. A circulação permanece aberta, permitindo que o olhar atravesse a loja e encontre diferentes pontos de interesse ao longo do percurso.

A madeira estabelece a base material do projeto e aparece em painéis, expositores, balcão e elementos de apoio. Sua presença contínua cria unidade entre as diferentes áreas e introduz uma sensação doméstica ao ambiente comercial. Estruturas metálicas brancas, fibras naturais e superfícies verdes entram como contrapontos leves, construindo uma paleta associada à natureza e ao brincar.

No teto, grandes campos verdes atravessados por linhas de luz transformam o plano superior em parte ativa da composição. A iluminação acompanha a geometria da arquitetura e ajuda a conduzir o percurso, enquanto luminárias em fibra introduzem textura e uma escala mais próxima do corpo.

A recepção incorpora a linguagem de uma pequena fachada comercial, com marquise listrada e desenho frontal marcado. Esse gesto cria uma arquitetura dentro da própria loja e estabelece um ponto de chegada facilmente reconhecível. Ao redor, expositores, araras e plataformas desenham diferentes maneiras de apresentar roupas, brinquedos e acessórios sem perder a continuidade espacial.

A experiência da Mini King é construída através de escala, cor, textura e movimento. O espaço assume o imaginário infantil com certa delicadeza, permitindo que o produto permaneça protagonista e que a arquitetura funcione como cenário para descoberta, circulação e permanência.

A identidade do escritório Moraes & Araújo Advogados Associados começa a ser construída antes mesmo da primeira conversa.

Na recepção, a geometria do logotipo deixa o plano gráfico e passa a organizar o espaço. O balcão em rocha natural foi desenhado a partir da mesma lógica angular presente na marca, transformando um elemento funcional em uma peça de forte presença tectônica. Sua massa escura ancora o ambiente e estabelece o primeiro gesto de reconhecimento do escritório.

O dourado aparece como linha. Perfis metálicos atravessam o espaço, desenham um grande arco junto à circulação, separando público e privado, e reaparecem em luminárias, sinalização e detalhes. A repetição cria uma espécie de filigrana arquitetônica que conduz o olhar e conecta diferentes elementos da recepção.

Nas paredes, a composição parte de referências associadas tradicionalmente aos escritórios jurídicos, como boiseries, simetria e proporções verticais. Esses elementos são reorganizados por meio de planos cinza, iluminação linear integrada e interferências metálicas. A luz percorre os limites da arquitetura, destaca molduras e transforma o desenho das paredes ao longo do dia.

A materialidade trabalha com poucos elementos e forte contraste. Pedra escura, metal dourado, superfícies cinza e estofados de textura macia constroem uma atmosfera sóbria, enquanto a iluminação quente introduz uma camada de acolhimento à experiência de chegada.

A recepção funciona como uma síntese da linguagem desenvolvida para os 150 m² do escritório. Identidade visual, mobiliário, iluminação e arquitetura foram pensados dentro de um mesmo sistema, permitindo que a marca fosse percebida através da matéria, da escala e da maneira como o visitante percorre o espaço.

O resultado é uma arquitetura de representação construída a partir de precisão, ritmo e presença.

O primeiro projeto internacional do escritório nasce de um encontro entre duas culturas. Em St. Augustine, na Flórida, o Mademoiselle Hair Salon foi concebido a partir de uma leitura simultaneamente brasileira e norte-americana do espaço comercial: menos como oposição entre dois repertórios e mais como exercício de tradução entre eles.

A escolha da cidade acrescenta uma camada particular ao projeto. Fundada em 1565, St. Augustine carrega uma das histórias urbanas mais antigas dos Estados Unidos continentais. Nesse contexto, referências mais tradicionais da arquitetura e dos interiores norte-americanos aparecem reinterpretadas pelo escritório. A marcenaria de linguagem provençal, os painéis ritmados e a organização simétrica das estações estabelecem uma base reconhecível para o público local.

Sobre essa estrutura mais clássica, o projeto introduz outro vocabulário. Tons terrosos, madeira, palhinha, fibras naturais e vegetação deslocam o salão para uma atmosfera mais quente e informal, enquanto arcos, espelhos circulares e pontos de iluminação constroem uma sequência visual ao longo do espaço. A brasilidade não aparece como tema decorativo, mas na maneira de combinar materialidade, cor, natureza e uma relação menos rígida com o ambiente.

O comprimento do salão é organizado pela repetição das bancadas de atendimento, transformando a sucessão de postos de trabalho em elemento arquitetônico. Grandes arcos verticais estabelecem ritmo e escala, enquanto a iluminação posterior aos espelhos acentua a profundidade dessa composição. No centro, áreas de espera e atendimento interrompem a linearidade e aproximam o espaço da escala doméstica.

O projeto também marca uma mudança de escala na trajetória do escritório: realizado em 2021 e acompanhado à distância a partir do Brasil, tornou-se a primeira obra internacional da Jeferson Branco Arquitetura. Mais do que transportar uma estética brasileira para outro país, o Mademoiselle propõe uma arquitetura capaz de negociar contextos, familiar o suficiente para pertencer à Flórida e estrangeira o bastante para carregar outra origem.

Em 50 m², meu.coração.queima constrói uma casa a partir de fragmentos de Brasil.

Criado para a CASACOR Florianópolis 2021, sob o tema A Casa Original, o Estúdio Manifesto parte da casa popular brasileira e de um repertório formado por objetos, materiais, gestos e memórias presentes na vida cotidiana. Rede de palha, filtro de barro, rosário, pratos, xícaras, plantas da casa da avó e pequenos objetos afetivos dividem o espaço com rochas naturais, tecnologia, mobiliário contemporâneo e acabamentos de alta precisão.

Essa aproximação estrutura a linguagem high-low do projeto. O interesse está na convivência entre diferentes valores materiais, econômicos e simbólicos dentro de uma mesma casa. O ambiente transforma essa convivência em comentário sobre um país onde abundância, desigualdade, memória e desejo ocupam frequentemente o mesmo espaço. Essa dimensão crítica foi um dos eixos assumidos pelo projeto desde sua concepção.

A materialidade carrega parte importante dessa narrativa. Rochas extraídas em estados como Bahia e Minas Gerais aparecem em grandes superfícies e chamam atenção para a riqueza mineral brasileira e para os processos de extração e exportação desses recursos. A pedra, tradicionalmente associada ao luxo, passa a carregar também uma dimensão territorial e política, uma vez que a matéria prima se quer fica no Brasil.

Terracota, azul-celeste, madeira, cerâmica, palha e vegetação constroem uma atmosfera de grande intensidade sensorial. O revestimento cerâmico alaranjado envolve o banheiro como uma superfície contínua, refletindo a luz e ampliando a temperatura cromática do espaço.

A vegetação ocupa o apartamento, cresce sobre estruturas, desce do teto e se mistura aos objetos. Amendoeira, samambaias, Espada de São Jorge e outras espécies associadas às casas brasileiras aproximam o interior de uma paisagem doméstica reconhecível, construída pela convivência entre arquitetura e natureza.

No centro do espaço, uma parede curva revestida por ripas organiza o programa e cria diferentes graus de intimidade sem estabelecer uma separação convencional entre os ambientes. Estruturas metálicas leves percorrem sua parte superior e recebem plantas, objetos e elementos cotidianos. A própria divisão espacial passa a funcionar como suporte para a vida.

Há também uma dimensão deliberadamente autobiográfica. Objetos familiares, referências religiosas, peças populares e memórias pessoais entram no projeto sem hierarquia rígida. A casa deixa rastros de quem a habita. O conjunto não procura a imagem de uma residência genérica, mas uma identidade construída por acúmulo, afeto, contradição e pertencimento.

A experiência oscila entre acolhimento e incômodo.

A rede convida ao descanso. A luz é quente. As plantas crescem. Os objetos carregam memória. Ao mesmo tempo, a arquitetura introduz perguntas sobre a origem da matéria, sobre aquilo que o país valoriza, aquilo que exporta e as imagens de Brasil que escolhemos preservar.

meu.coração.queima nasce desse atrito.

Uma casa brasileira feita de beleza, afeto, excesso, memória e questionamentos.

A primeira sede da Jeferson Branco Arquitetura foi concebida como uma materialização direta da maneira como o escritório entende o próprio trabalho.

Em 40 m², o espaço concentra criação, reunião, pesquisa, arquivo, atendimento e convivência. A escala reduzida exigiu que cada elemento tivesse função precisa, mas também abriu espaço para testar ideias que começavam a definir a linguagem do escritório naquele momento.

A sede funciona como laboratório.

Materiais, cores, objetos, soluções construtivas e peças de mobiliário são aproximados sem a intenção de criar uma neutralidade corporativa. O ambiente assume caráter experimental e permite que arquitetura, interiores, arte, design e paisagismo coexistam dentro de uma mesma rotina de trabalho.

O azul atravessa teto, paredes e marcenaria em alguns ambientes, estabelecendo uma presença cromática contínua. Em outros pontos, madeira clara e superfícies brancas ampliam a luminosidade e equilibram a intensidade da cor. A alternância cria diferentes atmosferas dentro de uma planta compacta e organiza os momentos de concentração, reunião e pausa.

A vegetação ocupa uma posição central no espaço de trabalho. Estruturas metálicas suspensas recebem samambaias e espécies pendentes acima das mesas, deslocando o jardim para o teto e aproximando natureza e atividade cotidiana. A presença viva das plantas modifica o ambiente ao longo do tempo e introduz uma camada que não pode ser completamente controlada pelo desenho.

A tectônica permanece legível. Estruturas metálicas, painéis, perfis e diferentes sistemas de apoio aparecem como parte da composição. No bar, cobogós sustentam a bancada de pedra e permanecem visíveis. No banheiro, cerâmica azul, pedra e elementos lineares constroem uma pequena experiência autônoma dentro do conjunto.

O mobiliário também participa dessa lógica de experimentação. Mesas, bancos, estantes e superfícies de apoio combinam materiais e geometrias distintas, enquanto objetos, livros, maquetes e referências acumuladas pelo escritório ocupam o espaço como parte do processo criativo.

As divisórias de vidro recebem desenhos e fragmentos gráficos ligados à produção do escritório, transformando a separação entre ambientes em superfície de memória e comunicação.

A primeira sede registra um momento específico da prática: o escritório ainda pequeno, compacto e fisicamente próximo, com criação e discussão acontecendo no mesmo campo visual.

Um espaço de trabalho entendido como ferramenta de projeto.

Um laboratório onde as ideias podiam ser testadas antes de ganhar o mundo.

A sede da Inbrasul foi concebida a partir de uma arquitetura corporativa de forte presença material, onde identidade, rotina e experiência de trabalho encontram uma mesma linguagem.

O projeto organiza os 350 m² aproximando estrutura, mobiliário e infraestrutura. Elementos técnicos permanecem visíveis e participam da composição. Eletrocalhas, trilhos, perfis metálicos e instalações aparentes desenham o teto, enquanto madeira, pedra, tecidos, vegetação e superfícies escuras introduzem densidade, textura e conforto.

Na diretoria, a atmosfera é contida e introspectiva. A marcenaria ocupa a parede como um sistema contínuo, alternando planos fechados e nichos iluminados. Portas, armazenamento, livros, objetos e equipamentos são incorporados a uma única superfície, fazendo da própria organização funcional parte do desenho.

A mesa estabelece o centro tectônico do ambiente. Uma base escura, sólida e precisa recebe uma lâmina de pedra marcada por veios irregulares, onde a matéria natural interrompe a geometria controlada do conjunto. Madeira, couro e metal completam uma paleta construída por diferentes temperaturas e respostas ao toque.

A iluminação acompanha essa intimidade. Linhas quentes aparecem embutidas na marcenaria, destacando profundidades e objetos, enquanto uma luminária suspensa atravessa o espaço com um desenho fino e quase gráfico. A luz revela a textura dos materiais sem eliminar suas sombras.

No lounge, a linguagem muda de ritmo. O verde ocupa grandes superfícies e cria uma paisagem interior de caráter informal. Sobre ele, uma estrutura metálica desenha a parede como uma grande malha, recebendo caixas de madeira, livros, objetos e memórias em diferentes posições.

O teto expõe parte da infraestrutura e reforça a leitura construtiva do espaço. Cabos, perfis, luminárias e instalações assumem sua presença técnica. A madeira aquece a composição, enquanto azul profundo, tons terrosos, preto e vegetação constroem uma atmosfera voltada ao encontro e à permanência.

Diretoria e lounge apresentam duas experiências dentro de uma mesma sede. Concentração e pausa, matéria e luz, precisão e informalidade convivem em um projeto que entende o ambiente de trabalho como parte da vida cotidiana.

Em apenas 9 m², o projeto concentra diferentes funções sem transformar o quarto em uma sucessão de móveis independentes. Armazenamento, troca, exposição, amamentação e descanso são incorporados à própria arquitetura, liberando a área central e construindo uma leitura contínua do ambiente.

A marcenaria branca percorre o perímetro inferior e se prolonga em armários suspensos com portas de vidro, organizando roupas e objetos como parte da composição. Entre eles, nichos abertos permitem que peças do cotidiano permaneçam visíveis e acessíveis. O berço em madeira natural introduz calor em contraste com a base clara e com o verde suave que envolve paredes e teto.

Sobre essa estrutura de linguagem mais clássica, marcada por boiseries e proporções regulares, uma linha contínua de luz atravessa paredes e forro. O gesto rompe deliberadamente com a expectativa de um quarto infantil tradicional: transforma a iluminação em desenho, evidencia a geometria do espaço e cria profundidade dentro de uma metragem reduzida.

O resultado procura evitar uma ambientação excessivamente temática. Os elementos associados à infância aparecem nos objetos, enxoval e pequenos personagens, enquanto a arquitetura permanece suficientemente permanente para acompanhar as transformações do ambiente ao longo do tempo.

Habitat Deca marca a estreia de Jeferson Branco na CASACOR Santa Catarina, ainda durante a graduação em Arquitetura e Urbanismo. O ambiente nasce como desdobramento de “Banheiro(a), um banheiro para... pessoas!”, projeto vencedor geral do 22º Concurso Estudos Deca de 2017 e primeiro colocado na categoria Banheiro de Estação de Trem ou Metrô. A premiação conduziu a pesquisa acadêmica para uma situação construída, aberta ao público e submetida ao uso cotidiano dos visitantes da mostra.

O ponto de partida era uma crítica à divisão convencional dos banheiros públicos entre masculino e feminino. A pesquisa investigava situações em que essa separação produz constrangimento, insegurança ou limitações práticas, incluindo crianças acompanhadas por responsáveis de outro gênero, idosos e pessoas que necessitam de auxílio, além das questões ligadas à diversidade de gênero. No Habitat Deca, essas demandas são reunidas em um único ambiente de uso coletivo, com cabines individuais integralmente fechadas para garantir privacidade e segurança.

A configuração espacial substitui a segregação por uma área comum de permanência e cuidado. O banheiro passa a operar como território compartilhado, onde a arquitetura organiza diferentes graus de intimidade sem determinar previamente quem pode ocupar cada espaço. Durante a CASACOR, o ambiente permaneceu funcional e pôde ser efetivamente utilizado pelos visitantes, transformando a mostra em campo de observação para a própria hipótese projetual.

A materialidade aproxima o espaço da ideia de habitat. Madeira escura, pedra, vegetação abundante e água compõem uma atmosfera densa, atravessada por iluminação branca, azul e rosa. A vegetação ocupa paredes e áreas junto às louças, enquanto os elementos sanitários deixam a posição estritamente utilitária e passam a integrar a composição espacial. A cuba de piso foi associada à água como uma fonte e o mictório incorporado à vegetação, estratégia registrada nas publicações da época.

O neon estabelece outra camada de leitura. Formas reconhecíveis da sinalização convencional de banheiros são ampliadas e sobrepostas, dissolvendo graficamente a separação binária que o projeto questiona. Em contraste com a presença orgânica das plantas, a luz artificial introduz uma linguagem urbana e tecnológica, colocando natureza e transformação comportamental dentro da mesma narrativa.

Habitat Deca estabelece, já na estreia de Jeferson Branco em uma mostra de arquitetura, uma prática orientada por pesquisa e posicionamento. O espaço parte de um programa cotidiano para discutir inclusão, autonomia, privacidade e o modo como a arquitetura acompanha mudanças socioculturais. A própria apresentação oficial de 2018 definia o ambiente como um espaço capaz de receber diferentes usuários sem barreiras ou discriminação.

Mesa lateral em rocha extraída no Brasil, 47 × 39 cm, em três alturas

Mesa lateral da coleção Pangea. 47 × 39 cm, em três alturas: 42, 52 e 62 cm.

A Série 01 é feita com rochas extraídas no Brasil. Rocha é material natural e pode variar de peça para peça. Outras rochas e outras cores de pé sob consulta. Desenho e fabricação JBARQ, 2021.

Mesa lateral em Tauari maciço com acabamento em óleo natural, 47 × 39 cm, em três alturas

Mesa lateral da coleção Pangea. 47 × 39 cm, em três alturas: 42, 52 e 62 cm.

A Série 02 é feita em Tauari maciço, de forma artesanal, com acabamento em óleo natural que pode ser tingido no tom do projeto. Acabamentos: Diamante, Natural, Ambar, Jaspe, Granada e Carvão. Desenho 2023; fabricação Hortensia Móveis.

Cadeira em Tauari maciço, feita de forma artesanal, 50 × 50 × 85 cm, lançada na Semana de Design de Milão em 2025

Cadeira em Tauari maciço, feita de forma artesanal. 50 × 50 × 85 cm (L × C × A). Desenho de 2023; fabricação Hortensia Móveis.

A coleção leva o nome do furão Luiz Antonio. A peça foi lançada na Semana de Design de Milão, em abril de 2025, primeira participação da JBARQ no evento.

Mesa lateral em rejeitos de pedra, Série 01 da coleção Tropicália, 45 × 30 × 52 cm

Mesa lateral de apoio da coleção Tropicália, Série 01. Feita de rejeitos de pedras nobres, sobras que voltam ao uso como peça. As formas são curvas, orgânicas; a referência é o paisagismo modernista brasileiro, em especial a obra de Roberto Burle Marx.

Mede 45 × 30 × 52 cm. Produzida pela MINITH. Desenhada em 2023, lançada em 2025.

Tapete feito à mão em ECONYL, nylon regenerado; medidas por projeto, na proporção do desenho

Tapete da coleção Protozoa. O desenho parte de formas de microrganismos: contornos orgânicos, cores vibrantes. A confecção é manual, em processo semi-artesanal, pela TAPEÇARIA ITALIANA.

O fio é ECONYL, nylon 100% regenerado a partir de resíduos retirados do oceano e de aterros: redes de pesca, plásticos industriais, restos de tecido. Fabricado sob encomenda. As medidas seguem o projeto, mantendo a proporção do desenho original. Amostras com mais de 80 cores. Desenhado e lançado em 2023.

Mesa de apoio de parede em bloco de rocha bruta reaproveitada da construção civil, 25 cm de largura

Mesa de apoio de parede da coleção Runa. Um bloco de rocha bruta, reaproveitado dos resíduos da construção civil, recebe um recorte que apoia o prato. O recorte remete às runas, artefatos em pedra. Fabricação MINITH. Desenho 2023, lançamento 2025.

Série 01: 25 × 27 × 21 cm.

Mesa de apoio de parede feita à mão em Taquari maciço, fixação em aço inoxidável, 25 cm de largura

Mesa de apoio de parede da coleção Irupê. Feita à mão em Taquari maciço, com opção de várias tonalidades e fixação em aço inoxidável. A forma vem das plantas aquáticas que os guaranis chamam irupê. Fabricação Hortensia Móveis. Desenho 2024, lançamento 2025.

Série 01: 25 × 26 × 6 cm.

Luminária de mesa em sobras de rocha natural, corpo escalonado, 13 × 13 × 43 cm

Luminária da coleção Kûara, produzida pela MINITH. Desenho de 2024, lançamento em 2025. Feita de sobras de rochas naturais, rejeitos da indústria da construção civil, em estrutura escalonada.

Versão de mesa: 13 × 13 × 43 cm (L × C × A). Duas edições: padrão e limitada.

Luminária de piso em sobras de rocha natural, corpo escalonado, 20 × 20 × 175 cm

Luminária da coleção Kûara, produzida pela MINITH. Desenho de 2024, lançamento em 2025. Feita de sobras de rochas naturais, rejeitos da indústria da construção civil, em estrutura escalonada.

Versão de piso: 20 × 20 × 175 cm (L × C × A). Duas edições: padrão e limitada.

Arandela em sobras de rocha natural, corpo escalonado, 12 × 12 × 12 cm

Luminária da coleção Kûara, produzida pela MINITH. Desenho de 2024, lançamento em 2025. Feita de sobras de rochas naturais, rejeitos da indústria da construção civil, em estrutura escalonada.

Versão de parede: 12 × 12 × 12 cm.

Banco em alumínio fundido em areia; desenho 2023, produção JBARQ, 45 × 45 × 35 cm

O Banco Mercúrio foi desenhado em 2023 a partir da passagem da matéria do estado líquido ao sólido. A forma registra esse momento; o nome vem do metal que ocorre líquido na natureza.

A Série 01 é fundida em alumínio pelo processo de fundição em areia (sand casting) e produzida pela JBARQ. Mede 45 × 45 × 35 cm. Lançada em 2025.

Vaso Pingos, Molle Design; quatro séries, 15 × 15 × 31 cm

Pingos parte da linha Raízes do Sul, da coleção Raízes da Molle Design; desenho de 2023 com Jeferson Branco, lançamento em 2024. As peças têm textura orgânica e detalhes esféricos; a referência é a água do Sul do país: Rio Guaíba, Lagoa dos Patos, litoral catarinense.

O vaso mede 15 × 15 × 31 cm, recebe planta seca ou água, e sai em quatro séries, 01 a 04.

Castiçal Pingos, Molle Design; duas séries, 15 × 15 × 16 cm

Pingos parte da linha Raízes do Sul, da coleção Raízes da Molle Design; desenho de 2023 com Jeferson Branco, lançamento em 2024. As peças têm textura orgânica e detalhes esféricos; a referência é a água do Sul do país: Rio Guaíba, Lagoa dos Patos, litoral catarinense.

O castiçal mede 15 × 15 × 16 cm e sai em duas séries, 01 e 02.

Fruteira Pingos, Molle Design, 29 × 29 × 17 cm

Pingos parte da linha Raízes do Sul, da coleção Raízes da Molle Design; desenho de 2023 com Jeferson Branco, lançamento em 2024. As peças têm textura orgânica e detalhes esféricos; a referência é a água do Sul do país: Rio Guaíba, Lagoa dos Patos, litoral catarinense.

A fruteira mede 29 × 29 × 17 cm.

Double version of the Irupê: 50 cm wide in solid Taquari, stainless steel fixing

Wall-mounted side table from the Irupê collection. Handmade in solid Taquari, with a choice of several tones and stainless steel fixing. The shape comes from the aquatic plants the Guarani call irupê.

Series 02, double version: 50 × 25 × 6 cm, twice the width of Series 01, in a horizontal arrangement. Launch coming; we notify via WhatsApp.

Banco em resina, translúcida ou sólida; desenho 2023, produção BY POLY, 40 × 40 × 32 cm

O Banco Plasma foi desenhado em 2023 a partir da passagem da matéria do estado líquido ao sólido. A forma registra esse momento; o nome vem do metal que ocorre líquido na natureza.

A é em resina, colorida translúcida ou sólida, produzida pela BY POLY. Bolhas e imperfeições ficam de propósito e fixam o movimento do material. Mede 40 × 40 × 32 cm. Lançamento previsto; avisamos pelo WhatsApp.

Mesa de apoio de parede em bloco de rocha bruta reaproveitada da construção civil, 50 cm de largura

Mesa de apoio de parede da coleção Runa. Um bloco de rocha bruta, reaproveitado dos resíduos da construção civil, recebe um recorte que apoia o prato. O recorte remete às runas, artefatos em pedra. Fabricação MINITH. Desenho 2023.

Série 02: 50 × 27 × 21 cm, o dobro da largura da Série 01. Lançamento previsto; avisamos pelo WhatsApp.